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Vanessa Mendoza debuta en el cine con "La Ley"

La bella actriz de teatro y televisión Vanessa Mendoza protagoniza por primera vez una película y lo hace de manera magnífica.

"La Ley" acaba de estrenarse en decenas de salas de cine de muchas ciudades venezolanas. Allí, Vanessa Mendoza le da vida a Fedora, una hermosa huérfana de 23 años de edad criada por una abuela originaria de España, quien la crió en el caraqueño sector de La Pastora. 


La película, una pieza de humor negro, cuenta la historia de Pedro -Pedro Maguín y Bericotes- un juez que está a punto de ser nombrado magistrado de la Corte Suprema de España. Una llamada le informó de la muerte de su abuela en Venezuela, quien le dejó una herencia, noticia que lo obligó a tomar sus maletas para nuestro país, sin imaginar que todo esto cambiará su vida.

Luego de una serie de sucesos hilarantes, don Pedro, como lo llaman, conoce a la humilde -y tremenda- Fedora de los Ángeles Farfán, quien con su encanto le moverá el piso a este abogado muy rígido y fanático de la legalidad que fue educado a distancia por su abuela quién, sin conocerlo, le giró dinero desde Venezuela para su vida y su educación. Este Pedro -luego Pedrín- es interpretado por Lucas Fuica, actor español con una amplia trayectoria en cine y televisión.
Dirigida por el venezolano nacido en Santiago de Chile Pablo de la Barra, “La Ley” es una comedia "que juega con las ironías y contratiempos del orden y el desorden venezolano".

Fui a una función en la cual el público fue creciendo en entusiasmo y carcajadas a medida que rodaba la cinta y se proyectaba en la gran pantalla, que yo gocé durante toda la función

En este film comiquísimo, muy bien actuado y mejor producido, además participan reconocidas figuras de la actuación en nuestro país como Nacho Huett (el travesti de la Embajada de España en Caracas), Ignacio Márquez (el peligroso Juan de Dios), el gran actor Javier Vidal, los ocurrentes Yugui López y Alejandro Corona, la pícara Sandra Villanueva (animadora de Sábado en la Noche, el sabatino de Globovisión), Armando Gota (el genial fotógrafo Fontanera) y los no menos ocurrentes Rolando Padilla, Mayra Africano, Verónica Arellano y Paco Ginot.

También forma parte del elenco el fallecido director venezolano, Julio César Mármol, en un papel de abogado-pillo que interpreta de manera magistral.
Para saber mucho más de la preciosa Vanessa Mendoza puedes seguirla a través de su cuenta oficial en twitter: @vanessamaradona.




'La Ley' brinda la oportunidad de ver a Venezuela desde la perspectiva de un extranjero que al final opta por quedarse con este nuevo mundo que redescubre, y cuyos valores lo enamoran. (La Ley en Facebook)

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El 2013 nos trae Django, los trailers ya lo anuncian


Ambientada en los estados del Sur estadounidense dos años antes de estallar la Guerra Civil, DJANGO Desencadenado está protagonizada por el actor Jamie Foxx (premio Oscar) en el papel de Django, un esclavo cuyo brutal pasado con sus antiguos dueños le lleva cara a cara con el cazarrecompensas de origen alemán, el doctor King Schultz (el actor ganador del Oscar Christoph Waltz). 

Los cines venezolanos -mediante trailers- ya anuncian la película, imposible de perderse, ver, como todas las de Quentín Tarantino. Por lo pronto, hoy 25 se estrena en Estados Unidos.

Schultz le sigue la pista a los hermanos asesinos Brittle y Django es el único que podrá llevarle hasta ellos. 

El poco ortodoxo Schultz compra a Django con la promesa de dejarlo en libertad tras capturar a los Brittle – muertos o vivos. Tras la exitosa misión, deja en libertad a Django pero ambos optan por no separarse y seguir el mismo camino. 

Con la ayuda de Django, Schultz emprende la búsqueda y captura de los delincuentes más buscados del Sur. 

Según va puliendo sus capacidad como cazador, Django se centra en su única meta: hallar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que le arrebató el tráfico de esclavos muchos años atrás. 

 La búsqueda de Django y Schultz los guiará en última instancia a Calvin Candie (encarnado por el actor nominado al Oscar, Leonardo DiCaprio), el propietario de “Candyland,” una infame plantación donde los esclavos son preparados por el entrenador Ace Woody (Kurt Russell) para luchar unos contra otros por diversión. 


Al reconocer la propiedad bajo pretensiones falsas, Django y Schultz levantan la sospecha de Stephen (el actor nominado al Osca, Samuel L. Jackson), el esclavo doméstico de confianza de Candie. Ahora siguen sus pasos, y una despiadada organización se les aproxima. Si Django y Schultz quieren escapar con Broomhilda, se verán obligados a escoger entre la independencia y la solidaridad, el sacrificio y la supervivencia … 

El desarrollo de Django Unchained empezó en 2007, cuando Quentin Tarantino, hablando con The Daily Telegraph discutió sobre una idea para hacer un spaghetti western ambientado en el sur profundo de Estados Unidos, que él llamó "southern", afirmando que quería "hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo." 

El 2 de mayo de 2011, se confirmó que el título de esta película será Django Unchained y cuenta la venganza de un esclavo a su antiguo amo. 

Tarantino terminó el guión el 26 de abril de 2011, y entregó el proyecto definitivo a The Weinstein Company. La fotografía principal comenzó en California el 11 de noviembre, Wyoming en febrero de 2012, y Louisiana en marzo 2012. 

Será la primera película de Tarantino no editada por Sally Menke, fallecida en el 2010. Django es el título del popular spaghetti western de 1966 dirigido por Sergio Corbucci. Pero la película de Tarantino no es un remake o un spin-off de esta, de la que sólo toma el nombre del personaje principal y poco más.

Con La Manzana de Adán sigue el Ciclo de Cine de Europa del Norte en el Cinecelarg3

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-La Manzana de Adán (Adams æbler) ... una película sórdida y perversaViernes 9 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.) (Dinamarca, 2005. 94 min.
Director: Anders Thomas Jensen. Adam, un neo Nazi, es enviado en servicio de comunidad a la casa del ministro Iván con la tarea de cocinar un pastel con las manzanas del árbol que crece enfrente de la iglesia. Mientras tanto pájaros, gusanos y rayos atacan a las manzanas. Iván cree que el demonio los está examinando. Adam cree que es Dios, porque quizá el malvado no existe del todo.

El personaje del pastor, de perfil quijotesco, es interpretado con hondura espectacular por Mads Mikkelsen

La suma de aciertos termina otorgándole a esta película valor duradero, es recia y rotunda, con ráfagas de áspero humor negro. Una alternativa vigorosa a la solemnidad.

-Bésame (Kyss mig). Suecia, 2011. 107 min. (Sábado 10 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Alexandra-Therese Keining.
Premios: Guldbagge (Suecia): Nominada a mejor actriz secundaria (Liv Mjönes).
Mía y Frida, ambas treintañeras, se conocen cuando el padre de Mía va a casarse con la madre de Frida, lo que las convertirá en hermanastras. Mía llega a la fiesta con su novio, con el que va a casarse pronto, pero cuando las dos mujeres se conocen, se enamoran y su relación tendrá consecuencias dramáticas para la familia.


-Celebración (Festen). Dinamarca, 1998. 105 min. (Domingo 11 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Thomas Vinterberg.
Premios: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado. Círculo de críticos de
Nueva York: Mejor Película. Círculo de críticos de Los Angeles: Mejor Película. Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera.
Los Klingenfeldt, una familia de la alta burguesía danesa, se disponen a celebrar el sesenta cumpleaños del patriarca, un hombre de trayectoria y reputación intachable.
Sin embargo, sus tres hijos, aunque muy diferentes entre sí, están dispuestos a aprovechar la ocasión para sacar a relucir los trapos sucios de la familia.“Estupenda. Con un estilo más convencional que la de Von Trier” (Javier  Ocaña: Cinemanía). “Corrosiva y divertida” (Carlos Boyero: Diario El Mundo).

-Hemel (Hemel). Holanda, 2012. 80 min. (Lunes 12 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Sacha Polak.
Frecuentes, intensos, imprevisibles y azarosos son los encuentros sexuales que mantiene la bella Hemel. Pero también son casi una práctica deportiva o dramática hasta el límite, como una compulsión o un ejercicio maníaco que deja un resabio melancólico. Desde la muerte de su madre, Hemel terminó de estrechar la cercanía con su padre Gijs, cuyos amores parecen la contracara sensual de los volcánicos de su hija, y tampoco duda en asestar su dictamen feroz sobre cada nueva candidata.
-Venceremos (Drommen). Dinamarca, 2006. 106 min. (Martes 13 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Niels Arden Oplev
Dinamarca, 1969. Es un período de grandes trastornos y Frits, con 13 años, también está implicado. Sufre la tiranía de su profesor que hasta se niega a ver su evolución en clase. Por eso se interesa en las ideas de Martin Luther King expresadas en el “I have a dream”, o su sueño de un mundo mejor sin opresión ni discriminación racial. Frits inicia una lucha contra la opresión educativa a la par que su familia busca una alternativa a las ideas de su hijo.

-Kasky (Käsky). Finlandia 2008. 115 min. (Miércoles 14 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Aku Louhimies.
Premios: Festival de Sevilla: Premio Eurimages.
Miina Malin, una mujer fuerte e inteligente que lucha en el Ejército Rojo, consigue escapar de las garras de los blancos. Poco después, uno de los soldados blancos vuelve a capturarla. Pero al contrario que otros soldados blancos, no quiere matarla, sino llevarla ante un tribunal para que tenga un juicio justo. El encuentro entre Aaro y Miina une dos poderosas historias y enciende la chispa de un tenso amor en medio de la guerra.

-Allegro (Allegro). Dinamarca, 2005. 88 min. (Jueves 15 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Christoffer Boe.
Premios: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso.
Zetterstrøm, célebre pianista, regresa a su natal Copenhague para participar e nun gran concierto de gala. Al parecer, ha borrado todos los recuerdos de su vida en la capital danesa pero, en realidad, éstos se encuentran encerrados en una misteriosa “Zona”: un lugar al que aparentemente nadie tiene acceso. El protagonista descubre que hay ciertos acontecimientos en la vida —en particular, los que involucran al amor—, que no podemos darnos el lujo de olvidar.


-Día y noche (Dag og nat). Suecia, 2004. 95 min. (Viernes 16 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Simon Staho.
“Dag og Nat” trata de gente que desea amar y ser amada. Es la historia de un padre, su hijo, su mujer infiel, el amante secreto de su mujer, su joven amante, su solitaria hermana, su distraída madre, un entrenador de fútbol fanático, una prostituta embarazada y un ángel disfrazado de viejo. Lo que todos ellos quieren saber es: si la respuesta es amor, ¿cuál es la pregunta?

-Daisy Diamond (Daisy Diamond). Dinamarca, 2007. 94 min. (Sábado 17 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Simon Staho.
“Daisy Diamond” entronca con Bergman, y de hecho comparte con persona cierta intención por realizar un ejercicio de cine dentro del cine: la historia de una actriz que ha perdido su voz es aquí la ficción que mira en el cine una aspirante a actriz cuya recién estrenada maternidad le impide concentrarse en la preparación de castings y audiciones. Pero las intenciones de Staho van mucho más allá: si Bergman creaba una sensación de acecho sin apenas recursos técnicos, el director de Daisy Diamond se empeña en retratar la parte más ingrata del séptimo arte acompañando a su sufrida protagonista en todo su periplo de entrevistas y ensayos.

-Duska (Duska). Holanda, 2007. 110 min. (Domingo 18 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Jos Stelling.
Bob es adicto al cine, ha visitado varios festivales como crítico y ahora está trabajando en su propio guión. Su musa e inspiración es la atractiva taquillera de la sala de cine al otro lado de la calle. Pero cuando el deseo de Bob con la chica finalmente se convierte en realidad y la lleva a su casa, un hombre llamado Duska de repente aparece en su puerta. El momento no podría ser peor. Bob había conocido a este perdedor amable una vez en un festival de cine ruso, y en un estado de ánimo temerario lo había invitado a venir a visitarlo, si estaba en el vecindario. Eso era lo peor que podía haber hecho: Duska no va a dejar solo a Bob, lo que resulta en una tragicomedia original, llena de giros sorprendentes.

-Suskind (Süskind). Holanda 2012. 118 min. (Lunes 19 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Rudolf van den Berg.
Film basado en la historia del judío alemán Walter Süskind, quien como gestor de las deportaciones de Ámsterdam parecía ser un colaboracionista con los nazis, pero que a escondidas salvó docenas de adultos y entre 800 y 1.000 niños. 

- Silencio (Hiljaisuus). Finlandia, 2011. 110 min. (Martes 20 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Sakari Kirjavainen.
Premio: Jussi (Finlandia): 4 premios, incluyendo Mejor actor. 7 nominaciones.
Eino entra en un servicio junto a su amigo Antti, en una unidad donde unas cuantas mujeres y hombres llevan a cabo una serie de tareas pesadas y exigentes: recoger los soldados muertos y enviarlos a su hogar. La mente de Eino está llena de ideales heroicos, pero la vida en una pequeña comunidad resulta ser la guerra más complicada. El papel principal de Eino es cumplir la promesa al padre de Antti de mantenerlo fuera de peligro, y sobre todo, vivo.

- Sonny Boy (Sonny Boy). Holanda, 2011. 130 min. (Miércoles 21 / 5:00 p.m. y 7:15 p.m.)
Director: María Peters.
Sonny Boy empieza en 1928 y narra la tumultuosa historia de Waldemar, un estudiante negro de 19 años de Surinam (que por entonces pertenecía a los Países Bajos), y Rika, una mujer holandesa, casada y respetable, que ronda los cuarenta. A pesar de las diferencias, se enamoran perdidamente el uno del otro. Sin embargo, su amor se pondrá a prueba cuando, primero, ella se quede embarazada, y, después, diez años más tarde, escondan a varios judíos bajo su techo durante la Segunda Guerra Mundial.

-Historia de amor sueca (En Kärlekshistoria). Suecia, 1970. 115 min. (Jueves 22 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Roy Andersson.
Premios: Festival de Berlín: Premio Interfilm. Guldbagge (Suecia): Mejor película.
El genio Roy Andersson, que cuenta aquí la historia de amor entre dos adolescentes de catorce años, alcanzó la cima de su escasísima filmografía con otra de sus famosas películas, Canciones del segundo piso. Se aprecian aquí algunos rasgos de su época posterior, más surrealista, simbolista y decadente, alternados con fragmentos emotivos de amor adolescente diseñados a la perfección. En apariencia, el relato luce una sencillez pasmosa, pero su trasfondo filosófico es de alto calado en la segunda lectura que permite


-Pelle, el conquistador (Pelle erobreren). Dinamarca, 1987. 140 min. (Viernes 23 / 5:00 p.m. y 7:30 p.m.)
Director: Bille August.
Premios: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. Globo de oro: Mejor película de
habla no inglesa. Festival de Cannes: Palma de Oro. Premios Guldbagge (Suecia):
Mejor película y actor (Max von Sydow)
Pelle y su padre Lasse han conseguido trabajo en la granja Stone, pero en
condiciones similares a la esclavitud. La granja es un lugar muy duro capaz de matar todos sus sueños. Pero Lasse le dice a su hijo: “si lo deseas, puedes conquistar el mundo”. Y Pelle crece y va descubriendo poco a poco todas las facetas de la vida: el sexo, el frío invierno, la muerte… Y cuando contempla cómo navegan los grandes veleros, entonces sueña con las tierras lejanas que algún día conquistará: España, América, China. Impresionante drama sobre la pobreza y la dignidad humana. Un relato magistral de principio a fin, con mención especial a la prodigiosa actuación de Max von Sydow, paradigma de interpretación dramática
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-Un buen corazón (The Good Heart). Islandia, 2009. 95 min.(Sábado 24 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Dagur Kári.
Premios: Festival de Gijón: Sección oficial competitiva largometrajes.
Lucas es un joven de buen corazón que vive en una caja de cartón debajo del puente de Brooklyn. Sin perspectivas de futuro, decide suicidarse, pero fracasa como en todo lo que ha intentado en su vida. En el hospital comparte habitación con Jacques (Brian Cox), el malhumorado y colérico propietario de un bar, toma a Lucas bajo su protección y lo instruye en las estrafalarias reglas que rigen su bar: no admitir clientes nuevos, no confraternizar con ellos y, la más importante, nada de mujeres.
Su amistad se ve puesta a prueba cuando la aturullada April entra en el bar y Lucas
insiste en que tienen que ayudarla.
“La experiencia merece la pena sólo por el pulido barniz cinematográfico y el fascinante trabajo de Brian Cox (…) él es la razón por la que esta extraña película
adquiere un encanto perverso y único” (Rex Reed: The New York Observer). 

-Zappa (Zappa). Dinamarca, 1983. 103 min. (Domingo 25 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Bille August.
Steen, Bjorn y Mulle son tres chicos de clase media que viven como los claros prospectos de delincuentes. Tienen padres proveedores, poco comunicativos, y con muy poco tiempo para dedicarles a los muchachos quienes, además, tienen asegurado un colegio presentable correspondiente a su clase social, pero donde los
profesores se limitan a impartir sus áreas y a reprimir las malas acciones, siendo muy escasos sus aportes a la convivencia entre los estudiantes. Bille August, consigue plasmar un fidedigno y objetivo retrato de una sociedad donde cada quien demuestra estar interesado solamente en sí mismo.
-Farval Falkenberg (Farväl Falkenberg). Suecia, 2006. 91 min. (Lunes 26 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Jesper Ganslandt.
Premios: Guldbagge (Suecia): 4 nominaciones.
El valor de la película es la sensación de estar viendo un retrato sincero sobre el paso a la madurez que un grupo de amigos viven en su último verano en el pueblo que los vio crecer. Con una marcada estética indie, la cámara navega entre los sueños y fantasmas que flotan en la mente, en el corazón y en las palabras de cada uno de sus protagonistas. Posee altas dosis de un hipnotismo que esquiva la petulancia gracias, en gran parte, al cercano y enorme trabajo interpretativo que transciende entre lo conocido.

-En la noche todos los lobos son grises (Varg Veum). Noruega, 2011. 87 min. (Martes 27 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Alexander Eik.
Una organización militar internacional llamada “Brigandine group” que fabrican
armas, está detrás de una serie de terribles acontecimientos, incluyendo el asesinato de un amigo de Varg Veum. En un universo lleno de codiciosos propietarios de empresas, delincuentes, mercenarios y asesinos profesionales, Varg tiene el agua
muy por encima de su cabeza cuando trata de averiguar qué ha pasado con su amigo.


-El séptimo sello (Det sjunde inseglet). Suecia, 1957. 96 min. (Miércoles 28 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Ingmar Bergman.
Premios: 1957 Cannes, Premio Especial del Jurado (Ex aequo con “Kanal”).
1960: Seminci. Espiga de Oro: Mejor película 
Suecia, mediados del siglo XIV. La Peste Negra asola Europa. Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios. 

“Una de las grandes obras de Ingmar Bergman, que reúne en sus hermosas imágenes las obsesiones del maestro sueco. Impresionante labor de Max von Sydow y una inmensa fuerza visual para una obra maestra” (Fernando Morales: Diario El País).

-Canciones del segundo piso (Sånger från andra våningen). Suecia, 2000. (Jueves 29 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Roy Andersson.
Premios: Cannes, Premio Especial del Jurado. Guldbagge (Suecia): Mejor película,
director, guión, fotografía.
Mientras se producen una serie de hechos que parecen anunciar un próximo caos, un hombre comienza, gradualmente, a ser consciente de lo absurdo del mundo y de lo difícil que resulta comportarse y vivir como un ser humano. En todas las escenas, mientras ocurre algo en primer plano, está sucediendo algo de fondo. Ese “esfuerzo” que tiene que hacer el espectador para no perdérselo, es un recurso excelente muy pocas veces visto. La fotografía de la película es increíble también; una calle larguísima azul y completamente vacía, una ciudad en la que durante toda la película hay un embotellamiento, un basurero lleno de crucifijos, entre otras.

-Giliap (Giliap). Suecia, 1975. 125 min. (Viernes 30 / 5:00 p.m. y 7:00 p.m.)
Director: Roy Andersson.
Es una película con un lenguaje cinematográfico peculiar. Con un ritmo soterrado y diálogos sencillos, la imagen cobra una gran fuerza para expresar el confuso mundo interior del personaje principal (Giliap), un mesonero en el maravilloso ambiente nórdico del hotel Busarewski que, por cierto, es un juego de palabras que significa “estafador”. Allí, “El Conde” un empleado con fantaseos de convertirse en un capo sueco, siempre está tramando el gran golpe, mientras acecha a la hermosísima Anna, quien lo rechaza porque sueña con irse lejos de aquella rutina en compañía del extraño Giliap. Todo lo que sucede dentro del emblemático hotel parece extraído de una novela de la serie negra.
–O–
~ Hasta el 30 de noviembre – 5 pm y 7 pm
~ CELARG - Cinecelarg3
~ Entradas Bs.20

7 días en La Habana ya fue estrenada


“7 Días en la Habana” es una instantánea de La Habana actual: un retrato contemporáneo de una ciudad ecléctica y vital, compuesto por siete capítulos dirigidos por Benicio del Toro, Pablo Trapero, Julio Medem, Elia Suleiman, Gaspar Noé, Juan Carlos Tabío y Laurent Cantet. Cada director, a través de su sensibilidad, origen y estilo cinematográfico, ha sabido capturar la energía y la vitalidad que convierten la ciudad en única. 

Algunos han preferido plasmar la realidad cubana durante su vida cotidiana desde el punto de vista del extranjero sin referencias familiares. Otros se han inclinado por una inmersión total y se han inspirado en la vida de la población local.

Cada capítulo cuenta un día de la semana a través de la vida diaria y extraordinaria de personajes diferentes. 

Alejándose de los habituales lugares comunes, “7 Días en la Habana” quiere expresar el alma de la ciudad penetrando en los barrios, los diferentes ambientes, generaciones y culturas.

Me dicen que el estreno fue en La Habana, pero la población de Cuba todavía no sabe nada de la película. Tendrán que esperar.


FICHA TÉCNICA:
  • Título original: 7 Días en la Habana
  • Fecha de estreno: 5-10-2012
  • Duración: 129 min.
  • Director: Benicio Del Toro Julio Medem Laurent Cantet
  • Reparto: Daniel Brühl, Emir Kusturica, Jorge Perugorria, Josh Hutcherson, Vladimir Cruz
  • Productores: Álvaro Longoria, Laurent Baudens
  • Año: 2012
  • País: España Francia
  • Género: Romántica
  • Idioma: Castellano Inglés
  • Subtitulos: Castellano

    Benicio del Toro es uno de los 7 directores


    El actor Benicio del Toro, que debuta en la dirección con uno de los siete cortometrajes que componen la película "7 días en La Habana", reconoció en una entrevista con la agencia Efe que le "interesaría" dirigir, aunque por el momento "no tiene nada concreto". 

    El actor reconoce que, después del esfuerzo de interpretar al Che, "le cuesta" que un papel le estimule; "lo que me motivaría ahora sería dirigir" y añade que le gustaría "sumarle riesgos" a su vida laboral, no porque esté cansado de ser actor, sino porque el tiempo se le pasa "más rápido" cuando piensa en "un cuento" (una película).

    En la película coral "7 días en La Habana", Del Toro firma "El Yuma", el corto que corresponde al lunes, donde muestra su buen hacer y, sobre todo, un sentido del humor que se agradece. "'El Yuma'  es mi primera experiencia como director y fue muy especial para mí porque me ayudaron mucho; la verdad es que la pasé muy bien, dormimos poco -sonríe- pero trabajamos fuerte" y reconoce que aquello le movió a un nuevo interés.

    "Me interesaría eventualmente dirigir algo, pero por ahora no tengo nada concreto", dice con cara de creerse poco lo que está diciendo, aunque asegura que "está escribiendo".

    "Escribo cosas en manteles, servilletas, papelillos...", bromea, para admitir que "sí, en algún momento", le gustaría escribir un guión. 

    El corto trata de explicar de dónde viene la palabra "Yuma", que es "el modo en el que los cubanos se refieren a los norteamericanos -señala Del Toro- pero el origen no se sabe". 

    Basado en un relato de Leonardo Padura, coordinador del guión de "7 días en La Habana", "El Yuma" lleva dentro la comedia, pero Del Toro también le ha metido "corazón", afirma. 

    El actor también presentó ayer en San Sebastián su último trabajo con Oliver Stone, "Salvajes", donde interpreta a Lado, un sicario brutal y desmedido de un cártel mexicano, que le ha valido ganarse algunos reproches por la imagen patética del narcotraficante.

    "Un latino malón" que Del Toro no se habría atrevido a interpretar con cualquier otro director. "Lo hago con Stone", explica.  Su experiencia en el mercado norteamericano que, sin embargo, dice, sigue escatimándole papeles por ser latino (aunque a él eso no le importe lo más mínimo, según asegura), le ha servido para aprender que "para hacer cine hay que rodearse de talento, de los mejores, tener un buen conjunto de buenas individualidades, y tú ver cómo echarle agua a esa mata para que suba". 

    El sentido del humor de "El Yuma" se recupera el martes con "Jam Session", obra de Padura dirigida por Pablo Trapero, que tiene a un disparatado Emir Kusturica como protagonista, junto al chófer que le traslada por la ciudad y que es un consumado trompetista de jazz. 

    "Kusturica fue un extra, era muy importante que alguien se animara a jugar este juego", afirma el director de "El elefante blanco" en declaraciones a Efe. 

    "Había un gran desafío, que a la vez era una gran ventaja, al participar en esta película coral: la responsabilidad estaba repartida por siete, y si a eso le sumas que es en La Habana y los nombres de los otros directores es que no había nada para perder", comenta.

    El palestino Elia Suleiman, encargado del miércoles con "Diario de un principiante", opina que los cortos son excelentes campos para la experimentación cinematográfica porque te permiten "pensar dos veces" las cosas.

    Entre tanto, el veterano Juan Carlos Tabío sostiene que la cinta "es un proyecto realmente muy válido que, de alguna manera, da a conocer algunas complejidades y conflictos que se viven hoy en La Habana". 

    Tabío, que firma el sábado, "Dulce amargo", explica que La Habana es el punto de partida, "pero son siete visiones diferentes, subjetivas, y no es que la suma de las siete historias provoque una comprensión absoluta de una realidad porque las realidades siempre son mucho más complejas -reflexiona el veterano director-, pero sí son aproximaciones a esa realidad determinada". 

    El español Julio Médem se ocupó del jueves, con "La tentación de Cecilia"; Gaspar Noé, del viernes, con "Ritual", y el francés Laurent Cantet, del domingo, con "La Fuente".
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    Lena Burke rinde un homenaje a La Lupe en "La Mala"

    Lena Burke.jpg
    Canciones como "Puro teatro", "Fever" o "Con el diablo en el cuerpo" vuelven a sonar con la voz de la actriz Lena Burke en la película "La Mala", un homenaje de los cineastas Lilian Rosado y Pedro Pérez-Rosado a la mítica cantante cubana La Lupe.

    La película, que esperamos ver en Caracas, narra la historia de la joven Yolanda (Lena Burke), que, contagiada por su tía (María Isabel Díaz) y su abuela (Nelly Jo Carmona) de la pasión por La Lupe, quiere ser cantante como sea, en contra de los deseos de su padre (Jorge Perugorría).

    Lena Burke, hija de la cantante cubana Malena Burke; nieta de la conocida como "La señora sentimiento", Elena Burke, y descubierta por Alejandro Sanz, debuta como actriz en este largometraje, en el que realiza "un viaje por diferentes géneros de la música cubana", como hicieron su madre y su abuela, según ha resaltado durante la presentación de "La Mala".

    La película que ha sido rodada entre España y Puerto Rico, "parece un largometraje cubano rodado en Cuba", ha señalado el actor cubano Vladimir Cruz, otro de los protagonistas, para quien "Cuba está gravitando como el espíritu de La Lupe" durante todo el filme.

    La codirectora de la película, Lilian Rosado, ha resaltado que "la historia real de La Lupe no está escrita porque realmente es un misterio", sobre todo en Cuba, aunque en la isla existe una frase hecha que dice: "¿a qué mujer no le gustaría ser La Lupe?".

    En principio, la película iba a tener un formato documental pero los directores decidieron "que tenía que ser una ficción contando ese virus que dejó La Lupe y que se mete dentro de la sangre", ha admitido Pedro Pérez-Rosado.

    Lilian Rosado ha recalcado que querían huir de las canciones para contar una historia, se trata de "una narración de la nostalgia con un fondo musical".

    La Lupe es conocida sobre todo por el final de su vida en el Bronx, cuando se convirtió a la religión evangelista, con esta película Rosado narra sus inicios y busca enseñar "la capacidad de lucha que tuvo frente a los problemas".

    Lena Burke ha recordado que "fue la primera mujer que cantó en el Madison Square Garden", y sobre todo que "vencía todos los obstáculos y no tenía frenos para conseguir todo lo que quería", en un momento en el que "muchos artistas cubanos sufrían mucho".

    Pedro Pérez-Rosado ha puntualizado que la película fue presentada en el Festival de la Habana, pero no se distribuirá en los cines cubanos, aunque están "en el número 1 en las ventas de las copias piratas en Cuba".

    "Escuchaba a Guaco por mi papá"


    ESTEFANÍA DÍAZ | PRIMERA HORA  Lena Burke presentó junto con Guaco el tema "Tan fácil", en El Nacional. La canción forma parte del repertorio del disco, Escultura, que acaba de lan- zar al mercado la agrupación venezolana.

    La artista cubana, que espera darse a conocer en el país a través de esta colaboración, aseguró que conoce al grupo marabino por su padre, el arreglista, compositor y productor musical Rey Nerio.

    "Guaco es mi padrino por estas tierras. Es una cosa del destino, siempre ha estado en mi vida musical por mi padre. Él me entregó sus discos y me dijo: ´Te anda buscando la gente de Guaco´. Hay química musical", dijo la intérprete de 34 años de edad.

    Actualmente, Burke prepara cuarto álbum, que hasta la fecha no tiene nombre.

    "Ahora mismo estoy en la pre-producción de mi cuarto disco, tenía muchas canciones que dejé guardadas. Siempre estoy con mi piano para arriba y para abajo", afirmó la artista, que espera regresar al país.

    Hija de compositores 

    La ganadora del Grammy Latino 2011, por el álbum que tiene junto a Alex Ubago y Jorge Villamizar, Alex, Jorge y Lena, es la hija de la cantante cubana Malena Burke y nieta de la intérprete Elena Burke, también conocida como "La señora sentimiento", en ese país.

    "Ha sido una influencia total, porque mi abuela empezó con la música en mi casa", expresó.

    Junto a Sanz 

    Burke aseguró que una de las colaboraciones más importantes de su carrera artística fue con Alejandro Sanz. En 2003 participó en el disco No es lo mis- mo del cantante español. "En ese momento me dedicaba a tocar el piano y dirigía la banda de mi madre. Un día me llamaron para grabar con él. Me dijo ´muéstrame algo` y le gustó muchísimo lo que hago. Principalmente lo cautivó el tema ´Tú corazón´. Fue como una especie de padrino", explicó. 
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    "Tiempos de dictadura" se estrena en septiembre

    SCARLE GARCÍA | TAL CUAL  Marcos Pérez Jiménez. Leer ese nombre para los jóvenes puede ser historia. Para los protagonistas de la resistencia democrática, la tiranía hecha persona. Lo vivieron y lo aguantaron. Son ellos los que este año contarán cómo fue coexistir bajo la doctrina del presidente que llegó como provisional en 1952 y se fue volando en 1958.

    A eso apela el título de la más reciente película de Carlos Oteyza, Tiempos de dictadura, Tiempos de Marcos Pérez Jiménez.

    El nuevo filme de este cineasta inicia con una analogía. El debut fallido del torero "El diamante negro" se parece al derrocamiento de Rómulo Gallegos en 1948.Enseguida se observa cómo se formó la Junta Militar de Gobierno integrada por: Carlos Delgado Chalbaud junto a Luis Llovera Páez y Pérez Jiménez. Así los oficiales toman el control.

    Como lo dice el militante juvenil de Copei en la década de 1950, Enrique Aristiguieta Gramcko, aunque el escritor de Doña Bárbara fue el primer mandatario elegido por voto directo, universal y secreto no funcionó porque "él era un intelectual prestado a la política".

    El documental se engrosa con otros testimonios de militantes de ese lapso del siglo XX. La clandestinidad en medio de "un país ávido de normalidad" define los comentarios incluidos en el guión de Oteyza.En 1950 Venezuela sólo tenía cinco millones de habitantes y la adaptación al régimen castrense fluyó. El miedo provocó en los ciudadanos el fenómeno de la vista gorda.

    Sin embargo, las organizaciones políticas no pararon en su esfuerzo por restituir la democracia.Así lo ratifica Simón Alberto Consalvi (Acción Democrática), quien admite que se hicieron "actos terroristas−infantiles, si es que esas dos palabras pueden ir juntas". También atestiguan sus compañeros de tolda Isabel Carmona y Américo Martín.

    Los voceros para este filme del Partido Comunista de Venezuela de aquellos tiempos son Teodoro Petkoff y Pompeyo Márquez. El argumento oficial lo extrajeron del director de la Oficina de Estudios especiales de Pérez Jiménez, el Mayor del Ejército Víctor Maldonado. También destacan los civiles: la bailarina Yolanda Moreno, el fallecido editor José Agustín Catalá y el periodista Oscar Yanes, entre otros.

    DE POLÍTICA NO SE HABLA

    Esa época de represión estuvo marcada por el desarrollo arquitectónico y el silencio de las mayorías.Américo Martín asevera que se trató de "un éxito económico bajo una dictadura hermética".

    En la historia nacional todo se complicó con el atentado fatal contra Carlos Delgado Chalbaud y Leonardo Ruiz Pineda. Este y otros episodios son escenificados en más de 25 secuencias a través de animaciones realizadas por Titan Post. El guión se hila con imágenes de archivo audiovisual y las entrevistas filmadas frente a "la silla de la muerte" en donde los consultados duraron más de una hora comentando sus vivencias.

    Para musicalizar, la producción de Tiempos de dictadura se emplearon algunas de las emblemáticas y populares piezas de la Orquesta Billo"s Caracas Boys.

    Este largometraje, que se estrena el 7 de septiembre, toca un tema poco explorado en la cinematografía nacional. Ya Días de poder, de Román Chalbaud, lo abordó desde la ficción, sin embargo Carlos Oteyza intenta mostrar con datos históricos lo que fue "la liquidación de la democracia".

    Lean nuestro post en el blog Blug del 5 de julio pasado con la primera nota de prensa

    Vean el trailer:

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